INICIO

Quiénes somos

Somos un grupo de músicos profesionales con trayectoria en el medio y con experiencia en la docencia.

Nos apasiona enseñar y proyectar el talento de quienes se acercan a nosotros con la idea de avanzar en su carrera.

CURSOS

1- CANTO

dig
  • Técnica vocal y respiración
  • Vocalización
  • Clásico
  • Popular (géneros pop, jazz, moderno, latinoamericano, músicas del mundo).

2-GUITARRA

Cursos para niños, jóvenes y adultos.
  • Conocimiento de la guitarra, técnica.
  • Armonía funcional I, II, III, IV (acordes).
  • Repertorio clásico, estudios.
  • Práctica de escalas
  • Géneros populares (balada, rock, pop, brasileña, blues, jazz, funk.
  • Teoría del acompañamiento musical y práctica.
  • Ritmos.

PIANO

EL PIANO COMO EXPRESIÓN ARTÍSTICA Y COMO INSTRUMENTO DE INICIACIÓN MUSICAL

No solo se trata de aprender a tocar el instrumento sino que a través de éste, comprendemos los principios básicos de la música en toda su amplia realidad sonora y estilística. Además de aprender los fundamentos mismos de la música con el conocimiento de sus elementos integradores.

BATERIA

Aprenda a tocar diferentes ritmos y géneros así como los fundamentos teóricos de la música para ser un gran intérprete. Clases para principiantes, medios y avanzados.

ESCUELA DE CANTO MUSICALIA

ROCÍO AMAYA

UN RECORRIDO POR DIFERENTES PUNTOS DE VISTA DEL CANTO

Mi trayectoria como cantante empezó siendo muy niña cuando empecé a cantar como aficionada y me integré en el colegio a varias agrupaciones musicales. Ya siendo una jovencita definí mi vocación por la música e ingresé al Conservatorio de la Nacional, donde estudié chelo y canto complementario. Mientras tanto comencé a tomar clases particulares con el gran barítono LUIS CARLOS GARCÍA GÓMEZ.

El se había graduado de Cantante Concertista en el Conservatorio de Música de la Universidad Nacional, título que refrendó en Italia en la Academia Filarmónica de Bolonia. Se había destacado como gran intérprete de Lieder, ópera y oratoria, teniendo éxito en la Scala de Milán y en teatros y auditorios de Europa y América. Esta sensibilidad artística y experiencia quedó plasmada en un libro, único en su género, en donde se conocen aspectos de la dinámica psicofísica del canto. Su cátedra se llamó  Academia Científica de la Voz, que quedó plasmada en su libro es «Ciencia y técnica del dominio de la voz», publicado en 1986. Esta es una muestra de su bella voz:

https://www.youtube.com/watch?v=6h3egXyc_jg

En el Conservatorio también tomé clases con el maestro Gilberto Escobar, cuya técnica se parecía a la del maestro García con vocalizaciones que sigo utilizando hoy en día. Desafortunadamente se fue para Barcelona y siempre siempre me alentó a que no descuidara mi desarrollo vocal.

Luego estuve en el Coro de Colcultura donde cantamos la MISA SOLEMNIS de Beethoven y el canto General de Pablo Neruda en el Teatro Colón de Bogotá, con la Orquesta Sinfónica Nacional dirigida por el maestro griego y Director Mikis Theodorakis. Una bella experiencia donde la rutina vocal es siempre la misma: mucho énfasis en vocalizaciones, pero poca insistencia en la impostación, pues se supone que cada cantante tiene un maestro de canto y ya las conoce. También estuve con la maestra rusa Silvia Moskovic, y finalmente canté la Coral Nacional con un repertorio de Zarzuela en Opera al Parque.

Pero desde el año 2007 aproximadamente volví a cantar con mi guitarra y me propuse grabar mi propia música. Entonces he tenido que investigar la técnica de la música popular americana, latinoamericana, española, brasilera o colombiana, encontrando puntos de confluencia con la técnica del canto lírico, en el manejo de la voz mixta, lo cual fue refrendado por el maestro español Fernando Baño, quien en una clases magistral reconoció mi buena técnica vocal dentro de mi producción vocal y mi perfecto estado de la voz por tantos años.

Quiero dejar testimonio de estas facetas de mi voz con algunas muestras de mis discos, para que se observe el contraste del canto lírico y la música popular.

CANTO LÍRICO

En primer lugar, como intérprete de canto lírico, dentro de la música de cámara latinoamericana hice un par de recitales de música latinoamericana en la Sala Eduardo Caballero Calderón de Tunja (Boyacá).

https://www.youtube.com/watch?v=0F_xLbB3z2E

Como pueden observar, la voz está completamente atrás, es decir, proyectada hacia la cabeza, utilizando en este caso una abertura de la boca mínima, pues debido a condiciones físicas y a la índole del concierto, tuve que cantar de esta manera. No es destacable como la mejor puesta vocal, pero es muy buen ejemplo de mi técnica clásica.

MÚSICA ESPAÑOLA

Igualmente por aquella época conocí al profesor venezolano Carlos Godoy, magnífico maestro que me dio un avance en la proyección de la voz y la apropiación sensorial. Podría decir que gracias a sus indicaciones proyecté la voz hacia adelante, lo que surtió buen efecto en la grabación de mi primer disco Mi inspiración, y en algunos temas en particular como este, de ritmo de bolero-flamenco:

https://www.youtube.com/watch?v=z7c_9Tv3oRE

Aquí, como pueden escuchar, utilizo la técnica de voz mixta, dándole un color a la voz de «cantaor» flamenco, luego de escuchar a grandes intérpretes como la Tana, la «Niña pastori» entre otras grandes de interpretación española; donde me di cuenta, que la voz tiene una gran capacidad de imitación o emulación del timbre y de la intención sonora, si se hace una audición prolongada y atenta. Lo cual no me acreditó como «cantaora flamenca», ni más faltaba; pero a juzgar por el resultado, me parece bastante artístico en una composición original de ritmo bolero.

MÚSICA BRASILERA Y JAZZ

Igualmente, me pasa con la música brasilera y el jazz. Mi voz tiene la particularidad de un timbre muy brillante con tesitura de soprano, y además, dotada de una gama sonora muy amplia desde contralto a soprano (más de cuatro octavas). Esto me ha hecho experimentar con casi todo. Música clásica, contemporánea, colombiana, brasilera, jazz y latina. Para esto, recomiendo escuchar a grandes cantantes como la gran Elis Regina del brasil, o la impecable Gal Costa, y dentro del jazz, a la dama del jazz Ella Firtzgerald, la gran Sarah Vaughan, o incluso voces más oscuras como la de Billie Holliday, deliberadamente sucias, pero tan originales en su intención artística, me daba cuenta que el principio sonoro es el mismo. Buena impostación para registros altos y medios, proyección en resonadores, a veces más nasalidad, buen apoyo y movimiento de labios, lengua más adelante, además de una excelente articulación vocal. En jazz existe una rama de la improvisación vocal que se llama «scatz», que son ejercicios con vocales y consonantes que se considera muy apropiados para improvisaciones inéditas.

Así que utilizando mi técnica de impostación con las propiedades de mi timbre, pero proyectando mi voz sobre la máscara facial, haciéndola un poco nasal y no tanto proyectándola sobre la parte alta de la cabeza (técnica del liedder), encontraba muy buenos resultados, además de comprender que la bossanova se canta a media voz. Por otro lado, la posición de la lengua se aplana y se proyecta hacia los dientes, técnica propia de la música popular brasilera, donde la lengua es muy versátil la verdad sea dicha. Daré algunos ejemplos de mi voz cantada con alguien que no domina el idioma portugués, pero puedes compararlo con la interpretación de una auténtica cantante brasilera.

https://www.youtube.com/watch?v=tUDVU53BDhQ

Escuchemos la voz de la intérprete brasilera Gal Costa en el próximo video.

https://www.youtube.com/watch?v=svVeCQeCG98

Por otro lado, es importante tener un buen tono muscular, es decir, aprender a relajar el cuerpo, el cuello, la mandíbula y proyectar el sonido hacia adelante, como me insistía el maestro venezolano Carlos Godoy. Sobre esto, hay muchos consejos y yo misma he desarrollado unos ejercicios tomados del yoga y el tai chi chuan. Pero también, hay ejercicios específicos de respiración, siguiendo los consejos del maestro Fernando Bañó o del maestro Luis Carlos García, para trabajar la respiración abdominal, base del canto, y la respiración intercostal, respiración alta o clavicular y fortalecer el diafragma. En principio se trata de mejorar la capacidad torácica, retener el aire y prolongar lentamente la emisión vocal, para lo cual ayudan ejercicios como gimnasia, natación, ejercicios abdominales, y trabajar con vocalizaciones específicas para fortalecer el diafragma. Aquí puedo compartirles el testimonio del profesor Godoy en esta charla, que me resultó reveladora.

https://www.youtube.com/watch?v=C8ts47NPLfs

Maestro venezolano Carlos Godoy, especialista en canto lírico.

VERTIENTES DE LA MÚSICA LATINA

Por lo general la música latina como la salsa, el son cubano, el bolero, las músicas tradicionales como el vallenato o la música llanera, requieren buenas condiciones vocales, y qué decir, también un buen uso de la técnica para ver excelentes resultados. Por lo general los cantantes naturales tienen una gran capacidad toráxica y una excelente musicalidad, lo que los hace buenos interpretes. Pero muchas veces les falta una apropiada técnica vocal, lo que los hace abusar de sus capacidades vocales utilizando la voz de garganta, por lo que pueden presentar fatigas vocales.

Debemos retomar los principios básicos. Conocer los resonadores de la cabeza, el pecho y la cavidad de la laringe. Algunos géneros como la salsa utilizan la cavidad nasal y la cavidad faríngea y no sólo la cavidad bucal (de pecho). Son géneros que utilizan frases con un registro alto y por tanto, requiere buena técnica vocal. Vocalizaciones con «n», son adecuadas para lograr proyectar la voz de manera nasal, proyectándola hacia la máscara.

También hay que tener en cuenta particularidades de la interpretación musical en cada género. Por ejemplo, en la salsa, el patrón rítmico de la clave, es importante a la hora de interpretar los temas, y en general la música del caribe como en la música cubana. Igualmente el cantante popular sabe cuál es el ritmo que lo guía en su interacción con sus músicos. Pero es importante tener claridad en cuanto a la interpretación. Algunos utilizan el vibrato, mientras otros géneros no. Pero este recurso, ayuda en la expresividad del sentimiento.

Aunque no todos se ponen de acuerdo. Algunos intérpretes piensan que la voz nasal no siempre sea la más adecuada. Por ejemplo, el cantante de Puerto Rico, conocido como Alex D´Castro, hace poco me ratificó que utiliza la voz de cabeza en sus interpretaciones. El mismo, vivió una época dorada de la salsa en Puerto Rico y perdió su voz por el abuso de sus cualidades vocales naturales. Es tremendo el trabajo vocal que tiene un artista de salsa. Además si se desenvuelve en ambientes recargados de humo donde el licor se reparte a diestra y siniestra, es muy difícil mantener la voz en condiciones así. El le da mucha importancia a la disciplina vocal, a la correcta impostación, a los ejercicios de vocalización, y también al cuidado del cuerpo que dentro de su perspectiva religiosa, es el templo del Espíritu Santo, que le dio al ser humano grandes posibilidades naturales y talentos para desarrollar. También me parece una buena guía pues insiste en el sonido redondo y a la uniformidad de las vocales.

Compartiré con gusto un ejemplo de su técnica vocal.

https://www.youtube.com/watch?v=NCuIcMM278E

BIENVENIDO A NUESTRA ESCUELA DE CANTO

La técnica del canto no es más que explotar al máximo todas las condiciones fisiológicas
que poseemos para habar o cantar, de una manera adecuada y ordenada a través de un
entrenamiento vocal, al igual que cualquier actividad en donde se requiera de una
coordinación motora.

Por tanto, la técnica vocal no es nada ajena a la naturaleza del ser humano; con un correcto conocimiento del funcionamiento de las diferentes partes del cuerpo que se involucran al momento de cantar, podremos emitir un sonido natural, puro que nos permita interpretar la música de una manera libre y sin tensiones, toda esa musculatura debe funcionar de manera coordinada y sumamente flexible. La manera adecuada para entrenar y fortalecer toda esa musculatura es una correcta respiración, apoyada en
ejercicios específicos, de esta manera podremos alcanzar resultados satisfactorios

EL ARTE DEL CANTO Y SU FISIOLOGÍA

El canto es la expresion más completa de la musicalidad interior  además de ser la VOZ un instrumento maravilloso con su sonido y su color particular que depende de las características físicas del apararato fonador.

En realidad, si bien la respiración es importante, existen muchos órganos de fonación dentro del Sistema fonador. Es imposible tener control conciente de cada uno de ellos (músculos, órganos y huesos).

La respiración es parte fundamental en el canto, tiene dos momentos muy importantes, la
inhalación o inspiración y la exhalación o espiración — considerado el más importante al
momento de cantar pues el control de la respiración depende de éste—, la cantidad de
aire que un cantante es capaz de introducir en sus pulmones es transcendental, porque
gracias a ello la potencia de la voz y la capacidad de cantar frases musicales muy largas
pueden realizarse sin dificultad.
Lo más importante en la respiración es saber administrar el aire cuando se canta, de una
manera tranquila y pausada, se debe pensar en controlar el ritmo de respiración de una
manera normal, el diafragma, que es un músculo flexible, funciona como motor que nos
ayuda en los dos momentos de la respiración, cuando el aire ingresa por las fosas nasales
a los pulmones el diafragma desciende y la parte intercostal del tronco —a la altura de las
costillas flotantes— debe expandirse y al momento de exhalar se debe controlar el flujo de
aire que sale ya sea rápido o lento según lo necesario, esto se logra con un control del
músculo del diafragma

  1. Aparato fonador: aquí podemos hacernos una idea del aparato fonador, que está en la laringe.

Como podemos ver en este corte, nos damos cuenta de ´como la laringe interviene, así como el paladar, y las cuerdas vocales.

En la siguiente imagen nos damos cuenta de los órganos que intervienen en el momento de la fonación.

Fuelles – Zona de Abastecimiento

Vibrador

Resonadores

Además si hablamos del aparato fonoarticulador, es decir, no sólo la producción del sonido, sino la articulación de las palabras, debemos hablar también de los articuladores del habla.

2. Fuelles – Zona de abastecimiento

Es el contenedor de aire, el lugar donde te abasteces de aire y los órganos y músculos que intervienen para expelerlo con cierta presión.

Aquí tenemos al sistema respiratorio, principalmente nariz, traquea y pulmones.

Músculos respiratorios, es decir, los músculos inspiratorios y músculos espiratorios.

Músculos inspiratorios: El diafragma principalmente. Es una lámina muscular en forma de boveda. Su principal función es separar los órganos. Arriba están el corazón y los pulmones y abajo están el estómago, el vaso y el hígado. Además del diafragma están los elevadores del torax, el esternocleidomastoideo y músculos espinales.

Músculos espiratorios:  Principalmente son músculos abdominales, tales como el oblicuo, transverso interno, trasnverso externo y recto abdominal.

Nombrada de esta manera por su similitud con un fuelle. La definición de fuelle es la más certera para la función de estos músculos en el proceso de hablar o cantar.

El diafragma y los músculos abdominales trabajan en conjunto unos en la inspiración y otros en la espiración, principalmente. Sin embargo todos trabajan en el momento de cantar. Como en la figura, vemos cuando está abajo y cuando sube.

Vibrador – Generador de vibraciones – Zona de producción

La función del Vibrador o generador de vibraciones es producir el sonido. Justamente es la zona donde se produce el sonido como fenómeno físico mecánico: la vibración.

a) Laringe: La llamada manzana de Adán. Aquí es dónde están las cuerdas vocales. La laringe son diversos cartílagos unidos entre si, por músculos y ligamentos recubiertos de mucosa. Dentro de la laringe se encuentran los pliegues vocales, también llamados cuerdas vocales, que son dos cartílagos unidos entre si, con forma de V.

La imagen tiene un atributo ALT vacío; su nombre de archivo es IMAGENES-CANTO.jpg

b) Aparato suspensor de la laringe. Que son tres grupos de músculos para unir la laringe con la mandíbula, la laringe con el esternón y la laringe con el cráneo, respectivamente

4. Resonadores – Aparato Resonador

Aquí es donde la vibración adquiere su cualidad sonora. Gracias a los resonadores podemos diferenciar una voz de otra. En los Resonadores tenemos: Superiores, inferiores y auxiliares

Resonadores Superiores. Del maxilar superior hacia arriba. Son cavidades porosas dentro del hueso. Aquí encontramos el paladar duro, senos nasales y los cornetes nasales.

Resonadores inferiores. Pecho y árbol bronquial. En la vibración van a participar las mucosas del inicio del árbol bronquial y la traquea en su parte inferior, es decir, la vibración traqueobronquial.

  1. Articuladores del habla – Fonoarticulador

Con todo lo anterior se produce el sonido de la voz. Sin embargo, si hablamos también de la producción de las palabras, es decir de la articulación, necesitamos los articuladores del habla.

Aquí encontraremos todo el pabellón faringo bucal. Está la mandíbula, mejillas, boca y todo lo que hay dentro: dientes, lengua, cachetes, paladar, velo del paladar, arcos palatinos,  etc.

¿QUÉ PASA CUANDO CANTAMOS?

Inhalamos el aire por la nariz. Aquí interviene la Zona de Abastecimiento.

Al exhalar el aire pasa por el Generador de vibraciones, produciendo el sonido.

La presión de aire subglótica hace que el sonido llegue a los Resonadores

Expulsamos el sonido por los Articuladores del Habla.

Como ves el procedimiento de cómo cantamos es exactamente igual al de cómo hablamos. La única diferencia es la presión subglótica del aire y el uso de los diferentes resonadores.

El aire, que es enviado desde los pulmones por impulso del diafragma, pasa por las
cuerdas vocales haciéndolas vibrar, es ahí donde nace el sonido, pero se concentra en los
resonadores de la cara —la máscara— es importante conocer la ubicación de estos para
utilizarlos de manera correcta. Podemos nombrar algunos resonadores que deben
utilizarse al momento de cantar. La cavidad frontal, cavidad nasal, los senos frontales,
paranasales y maxilares, cavidad palatal o bocal y la cavidad craneana. El sonido choca
en los resonadores y se amplifica, con una correcta dicción y fonación se puede conseguir
una interpretación bien lograda y un sonido con cuerpo y carácter. Lo que se debe hacer
es impulsar el aire con el diafragma de manera que tenga una forma continua y con una
correcta emisión y amplificación en los resonadores obtendremos un sonido puro.

La respiración es parte fundamental del canto, de ella depende la emisión del sonido y la
interpretación, por lo que es importante que la respiración se haga de manera rítmica, sin
retener el aire mientras nos disponemos a cantar la primera nota. Cuando se consigue esto
la voz colocada suena clara y no necesita de más aire para brillar. Una nota camina libre
hacia otra, por lo que es importante llegar a ella de manera delicada sin golpearla, con una
sutil interpretación que enriquezca el estilo. Un aspecto importante también es la prosodia
del texto, la correcta pronunciación y dicción de la línea melódica que se está
interpretando debe prevalecer, para lograr que el público se conecte con el intérprete.

El apoyo es importante porque ayuda a sostener las notas agudas y a dosificar el aire
necesario para cubrir una frase, lo cual consiste en la contracción de los músculos
intercostales y abdominales, los mismos que ayudan a sostener la presión del aire bajo la
laringe, que es donde se encuentran las cuerdas vocales; la laringe desciende cuando
levantamos levemente el velo del paladar, formando una “cúpula” que direcciona el sonido
hacia los resonadores, la respiración debe ser siempre relajada de una manera flexible,
todo el cuerpo es instrumento.

Existen aspectos que influyen mucho en el cantante, de manera sicológica, por ejemplo,
pensar en el canto “de arriba hacia abajo” sin dejar que caiga la posición, para sostener la
afinación, el color del sonido y cuerpo de las notas, fijando un solo punto de concentración
hacia adelante y conectando la voz con la expresión.

clasificación de las voces

Toda persona tiene un tipo de voz que la caracteriza, la clasificación se la hace según su timbre de voz y no por su tesitura como muchas veces se suele creer. Por ejemplo, existen tenores dramáticos que alcanzan una tesitura muy por encima o debajo de la establecida (C3 – A4) alcanzando sonidos que
cubren la tesitura de un barítono o un bajo inclusive, pero se lo clasifica estrictamente por
su timbre.

Cada tipo de voz tiene una extensión diferente capaz de cantar notas distintas,
desde el “mi” de la primera octava del piano (nota más grave en la voz del bajo) hasta el
“la” 5 (nota más aguda en la soprano). Los niños tienen una extensión que coincide con parte del registro de voz de la soprano y la mezzosoprano.

Existe básicamente 6 tipos de voces entre femeninas y masculinas, clasificadas de la siguiente manera (cada voz tiene una derivación según su timbre):

Soprano C4 – A5 (mujer) – Mezzosoprano A3 – G5
(mujer) – Contralto G3 – E5 (mujeres, niños y niñas)

Tenor C3 – A4 (hombre) – Barítono A2 – G4 (hombre) – Bajo E2 – D4 (hombre)

Clasificación por Registro y Tesitura.

El ámbito vocal es el marco total de frecuencias que puede generar un tracto vocal. Se
mide por la frecuencia más grave y más aguda posibles. Dentro de un ámbito de dos
octavas aproximadamente, el volumen sube de la nota grave a la nota de arriba, siendo
las notas graves comúnmente no aplicables por la falta de volumen, las notas más agudas
por el volumen descontrolado. Por eso, para la música clásica, se define una zona apta
para el uso musical que se llama tesitura. Esa es más pequeña que el ámbito y consiste
de las notas que se pueden producir con una calidad apta para el uso musical, la tesitura.

Los ámbitos vocales son los siguientes:

Soprano: desde el do4 (el do central del piano) hasta el la6.

Mezzosoprano desde el la3 hasta el fa5.

Contralto: desde el fa3 hasta el re5.

Tenor: desde el si2 hasta el sol4.

Barítono: desde el sol2 hasta el mi4.

Bajo: desde el mi2 hasta el do4.

La voz se divide en tres registros básicos.
a) La voz de pecho
b) La voz media
c) La voz de cabeza o La voz de silbido.

Estos registros son definidos por la zona de resonancia que predomina durante su emisión
siendo la cavidad torácica el resonador más importante en la voz de pecho, las cavidades
de resonancia rinofaciales las del registro de cabeza, y una mixtura de ambos polos, en la
voz de registro medio.

La práctica del bel canto persigue el ideal de una voz que pueda mezclar las dos funciones vocales sin un punto de quiebre notable (mezza di voce). El ideal de una voz mezclada es el registro único. De esta manera hay voces en las que predomina el registro de pecho y otras en las que predomina el de cabeza, así como voces de tesitura aguda, y también grave.
Así, una voz con un carácter grave tiene una gran sonoridad y si el cantante quiere
encuadrarla como aguda o así se la ha clasificado, aumentan las posibilidades de producir
lesiones en las cuerdas vocales citando como ejemplos: nódulos, pequeños edemas,
zonas de induración y otras lesiones dentro de este tipo de patología laríngea, que lesiona
las cuerdas vocales; y si contrariamente la voz es aguda y es clasificada o encasillada
como grave, los efectos vocales deseados de una voz aguda, como son los sonidos
redondeados o filados, son imposibles de conseguir, y además existe la posibilidad de
lesionar también el órgano laríngeo. Por lo general, las voces enfermas y fatigadas, son
las voces mal clasificadas.

EL TIMBRE

El timbre se puede definir como la cualidad que nos permite diferenciar dos sonidos que
acusen una misma intensidad y frecuencia. Los sonidos no son puros, es decir, no tienen
un movimiento armónico simple (como el sonido del diapasón). Los sonidos provienen de
movimientos vibratorios complejos.
El sonido audible corresponde a la frecuencia fundamental, y contiene dentro los
denominados «armónicos», estos presentan un espectro de aparición constante
dependiendo de la presión sonora y de las características del cuerpo sonoro. Se denomina
armónico a cada sonido puro, correspondiendo el primer armónico al sonido más grave del
período.
El timbre está formado pues, por muchos armónicos, éstos son producidos en la glotis. La
abundancia de armónicos de un ámbito respecto de otros influirá la percepción auditiva del
sonido fundamental. Es dicho espectro de armónicos de un sonido, el que dará
configuración al timbre. El sonido vocal se produce en una acción física combinada. Las
partes son el apoyo, la función combinada de mucosidad, cuerdas y músculos vocales
(mezza di voce) y de la resonancia, así como la supresión de los armónicos del sonido emitido del
laringe al tracto vocal (boca, cabeza).Este es individual en cada persona ya que en parte
depende del tipo de cuerdas vocales del individuo, de su modo de vibración, y de las cajas
de resonancia.

POSICIÓN DE LA BOCA

La posición ideal de la boca, para cantar, es la que tiene al reprimir un bostezo. En esta
forma está bien abierta en su interior y la lengua ocupa el lugar que debe mantener
cuando no articula, que es bien plana en el fondo de la boca, rozando con la punta los
incisivos inferiores. Se canta con las vocales, pero se articula con las consonantes. La
consonante debe pronunciarse rápidamente, descansando el sonido por completo en la
vocal.
Cuando recién se comienza a trabajar, la correcta emisión vocal se hará preceder siempre
a las vocales de una consonante. En esta forma se mejorara el ataque del sonido, se lo
afinara mejor que si se canta exclusivamente sobre vocales, pues se articulara
naturalmente, por medio de la consonante, cada sonido con su correcta afinación.

LA IMPOSTACIÓN DE LA VOZ

Mi encuentro con el maestro español Fernando Bañó en 2019, me ha dejado varias enseñanzas y me tranquilizó sobre la posibilidade de mezclar la técnica clásica con la popular usando la voz mixta. En este video el maestro la actual técnica vocal y conceptos que deberían permanecer dentro de una buena escuela.

https://www.youtube.com/watch?v=21EhG5hYDws

TÉCNICA DE LA IMPOSTACIÓN DE LA VOZ

Para cantar con una voz impostada, tenemos que hacer conciencia de los resonadores de la cabeza, que son nuestros espacios naturales donde podemos proyectar la voz para darle un color determinado y hacer que su sonido sea más redondo. Si observamos este gráfico, nos damos cuenta que el sonido se proyecta hacia arriba como también hacia el paladar y hacia afuera. Aquí algunos conceptos sobre este arte:

Impostación es un término que procede del idioma italiano y que hace referencia a la acción y efecto de impostar.

Impostación

Cantar en un arte por sí mismo. No basta con abrir la boca sino que debemos desarrollar u bonito sonido y una buena expresividad. No sólo es coger un micrófono, pues podemos utilizar nuestro propio cuerpo y resonadores para desarrollar una buena técnica.

«La impostación es un concepto que se utiliza en la educación musical. Los profesores enseñan a los estudiantes todos los secretos del canto y del manejo de la voz, que es el sonido que se produce cuando el aire pasa a través de la laringe y hace vibrar las cuerdas vocales.

Puede entenderse la impostación como una técnica o un ejercicio que se realiza con la voz. El objetivo es situar la voz en la caja de resonancia para obtener el máximo rendimiento fonatorio con el menor esfuerzo posible. Para impostar la voz, es necesario coordinar la respiración con la emisión de los sonidos, mientras que se eliminan lo que los expertos definen como vicios vocales (una altura tonal incorrecta, la asociación de la voz baja con los sonidos graves y de los gritos con los agudos, etc.).

Con la impostación, la persona desarrolla un esquema vocal basado en el apoyo que la respiración le brinda a la voz. Así, al percibir y manejar las vibraciones sobre el cuerpo, el sujeto logra sacar el máximo provecho de las herramientas fonatorias.

En otras palabras, la impostación, también llamada colocación, consiste en dirigir de manera correcta la voz para que se combinen la respiración y la amplificación natural, de manera tal que se obtenga un sonido claro, afinado, rico a nivel tímbrico y lo suficientemente flexible como para encarar la interpretación de diversas obras musicales. Conseguir esto, por otro lado, es un objetivo que toma muchos años a las personas más talentosas, y que la mayoría de los aspirantes no alcanzan en toda su vida…» Yo diría que es el arte de colocar la voz en los resonadores para darle una calidad vocal que no se logra con el uso de la laringe. Es decir, para que sea un sonido agradable, redondo y con color expresivo. El cerebro es maravilloso en este sentido y nos sorprende con sus funciones volitivas.

DEBATE SOBRE CANTO EN TRADICIONALES ORALES POPULARES.

Es bueno traer este tema a colación, pues existe una polémica sobre la manera de enfocar la música vocal en los diferentes géneros musicales. Pues al pensar en la MÚSICA, como expresión cabal de la educación artística y cultural de los pueblos, no podemos desconocer realidades socioculturales, tradiciones y modos de cantar que no tienen que ver con lo académico. Esto pasa con la música popular latinoamericana. No es lo mismo cantar bossanova o samba a cantar tango. Igualmente, la música tradicional colombiana tiene su propia forma de proyectar la voz, como es el caso de la música llanera, la música de la costa o el vallenato. Escuchemos este conversatorio sobre la pedagogía en el canto de la música popular.

https://www.youtube.com/watch?v=yqxsFzd-8ZI


https://prezi.com/p/edit/17nctai0ktvv/

ESCUELA DE PIANO

“El piano concentra y resume en él el arte todo entero.”

FRANZ LISZT

Comenzamos este post con una idea motivadora para todos los que quieren acercarse al piano para hacer Música. Es un instrumento portentoso y misterioso que puede ser intimidante si vemos su gran cuerpo sonoro y esa serie de notas blancas y negras (108) que se parecen como a vida misma con sus momentos llenos de contrastes, algunos blancos -que aún esperan impregnarse de sentido- y otros negros -que nos aturden con su fuerza e intensidad. Hay mucho que ver y aprender de este instrumento que se toca presionando las teclas que hace que unos macillos o martillos golpeen, en el interior de una caja de resonancia, donde están unas cuerdas de diferente longitud afinadas que producen sonidos.

En primer lugar, hay que aprender a conocer sus notas, practicar escalas o hacer ejercicios de digitación para ir soltando los dedos con la guía de un buen maestro. Y luego sí, poco a poco pasar a leer alguna pieza sencilla como el Minué en G (Sol) y otras sencillas. Así el piano va mostrando al lego sus matices y secretos, sus posibilidades sin llegar a entregarse totalmente, hasta que sea el alumno el que se rinde y termina por entregarse él mismo al instrumento.

Pero aquí vamos a citar a un grande de la música que acaba de desaparecer, Chick Corea (nació el 12 de junio de 1941 y murió en Tampa, Florida, 9 de febrero de 2021), siendo un gran pianista innovador que ganó de veinte premios Grammy, «No tienes que ser Picasso o Rembrandt para crear algo. Lo divertido, la alegría de crear, está muy por encima de cualquier otra cosa que tenga que ver con la forma de arte». Si nos enfocamos desde el principio con esta filosofía de divertirse un poco, seguramente que el aprendizaje será mucho más emocionante.

Resultado de imagen para biografía Chick Corea
Chick Corea, pianistas estadounidense.

Puedes ver una pequeña biografía en el siguiente enlace: https://www.biografias.info/biografia-de-chick-corea/

Pero aquí tenemos que decir que la música que se interpreta no es pura; pues como dice otro grande de la música, el gran Chucho Valdés -uno de los grandes innovadores del afro cuban jazz contemporáneos-, es más descabellado no abrirse a la gran diversidad de géneros musicales que existen en el mundo. Mientras más géneros conozcamos, más cultos seremos y tendremos más posibilidades de triunfar en la música.​ Sobres este músico habría mucho que decir, pues es un digno representante de mestizaje musical con nivel realmente universal .

La imagen tiene un atributo ALT vacío; su nombre de archivo es chucho-valdes.jpg
Chucho Valdés, pianista cubano

Un instrumento para todas las edades

Escuela de piano en Musicalia-Colina

¿Cómo enfocar la metodología para aprender piano?

En Musicalia no le ponemos límites de edad para empezar a estudiar el piano. Desde los cuatro años un niño puede empezar a relacionarse con el instrumento. Y una persona mayor de 40 años, también tiene la posibilidad de aprender de cero, si se sigue la metología adecuada, siempre que tenga ciertas condiciones motrices y rítmicas necesarias para aprender la rutina de tocar un instrumento. Tampoco tenemos un único método exclusivo para aprender piano. El método Hanon, por ejemplo, se considera un complemento a una formación pianística. Pero hay otros métodos pueden ayudar a un progreso paulatino progresivo en la técnica y lectura como el Microcosmos de Béla Bartok, los Doce tomos técnicos de Franz Listz, los libros de Karl Cherni o Cristian Kramer, o incluso los métodos de piano jazz de Marc Levine o el métodos latinos de música cubana, tropical o brasilera que permiten ejercitarse técnica y musicalmente de manera interesante.

Pero Hanon puede complementar muy bien otras formaciones, eso sí. Y es muy normal que otros métodos de piano incluyan algunos ejercicios de Hanon. Pues las cosas no son ni blanco ni negro y la pedagogía de la técnica pianística a evolucionado mucho desde entonces como ya hemos comentado. Pero no se pueden decir que sean ejercicios que no sirvan para nada.

Veamos la siguiente opinión: «La forma más adecuada para acercarte a Hanon es seguir un método de piano global que incluya o no ejercicios de Hanon y tú mismo paralelamente ir acercándote a estos ejercicios. Pues cada persona es diferente y estos ejercicios son muy efectivos para algunos y para otros no. Tienes que descubrir si a ti te ayudan. Lo que sí es importante que sepas que con Hanon no basta. Es simplemente una serie de ejercicios muy populares que a mucha gente le han ayudado bastante».

Hay que decir que para alguna gente estos ejercicios son la gloria y es muy probable que los acabes experimentando. Desde luego probarlos siempre debería ser algo obligado.

¿Cómo estás aprendiendo piano?

Si eres un aprendiz de piano, te preguntamos esto porque es muy posible que estés intentando hace rato estudiar piano por tu cuenta o de forma autodidacta. Pero con un profesor particular probablemente puedes esperar una guía más personal de acuerdo a tu experiencia y aptitudes, además de un compendio de ejercicios que necesitas, entre los que seguramente estará el famoso método de Hanon.

Pues algo que tienes que tener en cuenta para aprender piano sin profesor particular es que necesitas un soporte visual de los ejercicios, por lo que así te compres el libro o te lo descargues sin ningún vídeo, te vas a desesperar porque no vas a saber cómo poner las manos o como ejecutar el ejercicio correctamente si no sabes algo de piano. Esto no conviene porque no es bueno para la motivación. Es por esto que es recomendable tener un profesor.

Una recomendación inicial es que descargues el método Hanon en PDF y busques los primeros ejercicios en Youtube. Aunque muchos de estos ejercicios no están o el audio es de baja calidad o se tocan muy rápido. En el siguiente link puedes Imprimirlo o aquí lo puedes comprar barato.​ Sería recomendable sin embargo, que tengas la guía del maestro para poder incorporar en tu rutina al menos los diez primeros ejercicios.

PROFESORES

En Musicalia nuestros profesores son Músicos profesionales con trayectoria en la escena musical, por lo que pueden transmitir a sus alumnos su propia experiencia, emoción y pasión, además de sus conocimientos adquiridos por otros maestros.

Rocío Amaya (Directora)

Co-fundadora. Profesora de canto, guitarra y chelo.

Inició su formación musical como guitarrista con el maestro concertista Álvaro Bedoya Sánchez (1978), y empezó a cantar en los Festivales Intercolegiales donde se destacó como intérprete, ganando algunos reconocimientos. Luego ingresó al Conservatorio de la Universidad Nacional donde estudió violonchelo y canto complementario (1984-1991). El primero, con el maestro Julio Gutiérrez y Svetan Manolov; y canto con el gran maestro Gilberto Escobar quien la animó a formarse como cantante lírica. Luego hizo estudios complementarios en la Escuela Superior de Música de Tunja (1990), donde estudió chelo con el norteamericano William Shumatt e hizo talleres de Dirección coral con la maestra Dominicana Florencia Pierret, entonces Directora. 

Siguió su formación de cantante con maestros particulares por recomendación de sus maestros, tomando clases con el gran tenor  Luis Carlos García, y talleres con maestros como el brasilero Paolo Do Nascimento y la soprano Julia Ballesteros de Martínez. En el año 2009 tomó clases con el maestro venezolano radicado en Bogotá, Carlos Godoy. Ha actuado en recitales de música latinoamericana acompañada por la maestra cubana Edelsa Santana y el pianista Nélson Hernandez. Fue integrante del desaparecido Coro Nacional de Colcultura, con quien se presentó en el Teatro Colón en programas como «El Canto General» de Pablo Neruda dirigido por Mikis Theodorakis, al igual que cantó la «Misa Solemnis» de Beehoven.  Ha tomado los cursos de «Armonía Funcional Aplicada y Arreglos en Músicas Populares contemporáneas» (1992), con el director y maestro Samuel Bedoya en la Fundación Nueva Cultura.  Como cantante, se formó con maestros particulares para no dañar su voz de soprano ligera, tomando clases con el gran tenor  Luis Carlos García, y tomando talleres con el maestro brasilero Paolo Do Nascimento. En el año 2009 tomó clases con el maestro venezolano radicado en Bogotá, Carlos Godoy. Ha actuado en recitales de música latinoamericana y fue integrante del desaparecido Coro Nacional de Colcultura. 

Desde 2011 inicia su producción como cantautora e intérprete de estilo populares. Así en 2009 publicó el sencillo  “Secuestro” y en el 2011, el álbum “Mi inspiración”, con doce temas de su autoría.   En el 2020 grabó «Rocío Amaya, Al Sur», un trabajo de temas latinoamericanos con arreglos de jazz de Jairo Elías con su cuarteto de jazz y que está promocionando actualmente.  Además como chelista, ha pertenecido a la Orquesta Sinfónica Juvenil de Colombia (1991) tocando varios conciertos y se vinculó como profesora de esta institución. Luego trabajó en el Instituto León Tolstoi por cuatro años donde fue profesora de chelo y guitarra.

Ella también es Comunicadora Social-periodista del Externado de Colombia con una Maestría en Literatura Hispanoamericana del Instituto Caro y Cuervo (2001) y actualmente adelanta estudios de Maestría como Manager y Derechos de Autor en la Escuela de negocios Grupo Esneca de España (2021). Ha sido integrante del grupo Latinos Jazz Project desde 2011.

JAIRO ELÍAS (Director artístico)

Co-fundador. Profesor de piano, teoría, arreglos y producción.

Este pianista se formó inicialmente en el Instituto León Tolstoi donde fue alumno de la maestra rusa Wanda Sokolowskaya. Pero su padre (ex-cantante del grupo Niche), al ver su talento natural para interpretar la salsa, le presentó al gran maestro de jazz Joe Madrid quien se encontraba en Bogotá, quien inmediatamente capturó su atención del joven, iniciando clases particulares que duraron por muchos años. Con él, estudió jazz, llevándolo por el camino de la armonía contemporánea y los principios de la orquestación Big Band, temas que el joven talento desarrolló de manera muy personal. Es por muchas razones que Joe vió en él un gran intérprete y una figura prometedora de la música. No en vano, lo acompañó con su trío haciendo sus pinos como pianista e improvisador en varios sitios y clubes de jazz.

Luego Jairo Elías haría estudios de composición y música incidental con los maestros David Burbano y Francisco Zumaqué. Maestros que le enseñaron géneros de diferentes regiones de Colombia y el mundo. Un tema que también siguió desarrollando de manera propia.

Esto lo ha llevado a desarrollar un lenguaje propio que ha venido exponiendo en diferentes salas de conciertos e integrando como docente con varios estilos de diferentes épocas de la música clásica y moderna. En el 2018, se vinculó a la Orquesta Sinfónica Juvenil de Colombia donde hizo una serie de conciertos como solista siendo muy elogiado por el público. Desde entonces, ha venido grabando con su Trío de jazz varios temas del repertorio latino y temas universales, con ese estilo tan original que lo lleva a proyectarse como una «nueva razón de la música». En suma, Jairo Elías es una de las promesas de la música por sus grandes dotes como improvisador e intérprete. Ha tomado clases particulares con la gran maestra Elvia Mendoza entre otros. Desde 2015 ha sido profesor de Musicalia, y también dado talleres de jazz en diferentes centros formativos como la Universidad Central y la Universidad de los Andes. También ha participado en Festivales de Jazz a nivel nacional.

Adrián Hidalgo (Saxofón)

Adrián Hidalgo

Profesor de Saxofón (soprano, alto, tenor, barítono).

Este caleño radicado en Bogotá,  es egresado de la Universidad INNCA como maestro de Saxofón y énfasis en jazz. Es un gran intérprete del género, además de compositor y director musical. Su formación comienza desde muy joven bajo la dirección del maestro Alfredo Beltrán y como integrante de la Sinfónica de la Salle. Al lado de su padre se inicia en los bossa-novas lo que lo in- centiva en su carrera para explorar estas raíces y otras más dentro de la música popular colombiana.

Entre sus maestros están Juan Monsalve, Olga Trouchina (piano), Olga Shiskina, Tico Arrendó (vientos), Francisco Pacho Dávila y Juan Benavides, reconocidos músicos. En el 2007 el Festival de Jazz al parte le otorga el Premio al “Mejor intérprete de jazz- Ciudad de Bogotá”. También ha alcanzado una experiencia artística nacional e internacional con su banda “Hidalgo B r o t h e r s B a n d ” e n escenarios como South By South West (Austin- Texas USA), Sierra Mar-Fest (Santa Marta, 2014), Atlantijazz, Fesujazz, El Museo Nacional, El planetario de Bogotá o la Sala Gilberto Alzate Avendaño.

Adrián también realizó estudios de guitarra y piano complementario, y además de contrabajo en el Conservatorio Antonio María Valencia.  Este último lo cautivaría desde siempre formándose en varias agrupaciones de carácter clásico y popular, como el “Mozarteun Misicorun” de Bogotá o el “Ar´s Novantiqua” (en casa del “Gordo Benjumea”). Además ha conformado tríos de Jazz con el maestro Roberto Campuzano Cano, y agrupaciones de Latín Jazz entre otros.

Raúl Medina Rodríguez

Profesor de percusión latina.

Este gran maestro de gran trayectoria musical, inició estudios de solfeo en el Conservatorio Nacional y clarinete con el maestro Alex Acosta. Desde niño conoció la música que inspiró a Richie Ray y Willy Rosario teniendo contacto con las mejores Big Band: Lucho Bermúdez, Pacho Galán, Orquesta Sonolux, Sonora del Caribe, Sonora Sensación; Big Band de chico O´farril, Pérez Prado, La Billos Caracas, Melódicos, El Tropicaba de Cuba. Así conoció al percusionista cubano Federico Aristides Soto «Tata Güines», al trompetista Beny Bustillo y el pianista Antonio Ozamendi (cubanos), ingresando al grupo «Beny y su Charanga cubana».

Participó en la televisión (musicales de Otto Greinfenstein, Espectaculares JES, Telecaribe, Reinados Nacionales y ha sido integrante de numerosas orquestas: Ramón Ropain, Los cinco de Oro, Tropibomba, Tropicolombia, Los Bravos, La Gran Tribu, Grupo América de Plinio Córdoba, Perlas Negras, con el pianista Joe Madrid, Alfredo Linares; cuarteto de jazz Peruchín, la Americana Rumba Club).

Ha sido acompañante de importantes figuras como Celia Cruz, Bienvenido Granda, Farah María (Cuba) y Roberto Ledesma, entre otros. Es un músico internacional con giras por: Venezuela, Ecuador, Festival Internacional de Folclor EPCOT Center Disney World (Orlando Florida), Miami, Brasil, Argentina, Chile, Perú, Bolivia, Estados Unidos (Festival 2007 de Baltimore – USA). Recitales con el marimba clásico y percusionista boricua Orlando Cotto (USA), The St. Maryy’s College Chamber Singers, Hotel Belvedere (Baltimore – USA). Ha llevado la música latina por el Estado de Maryland (Pensylvania y New Jersey) junto al grupo «Afro Latin Swing». Actualmente se encuentra trabajando en en un proyecto musical con el “Trío manigua” y ha sido integrante de Latinos Jazz Project.

JAVIER JIMÉNEZ

Profesor flauta.

Javier Humberto Jiménez Montaña, es un músico egresado de la facultad de Artes ASAB en el año 2006 especializándose como flautista. Ha sido un músico de sesión e investigador de las músicas autóctonas, siendo integrantes de varias agrupaciones instrumentales. Pero además tiene un Máster en «Investigación musical» de la Universidad Internacional de la Rioja (España) en 2017. Actualmente trabaja en la ASAB como profesor de flauta y armonía, además de estar vinculado a Musicalia.

Carlos Madariaga

Profesor de batería.

Licenciado y maestro en música  – Músico interpretación musical, instrumentos: Batería, percusión, piano, bajo, guitarra y técnica vocal. – Clinician – Operador Sotware de audio-MIDI (Protools – Logic pro) y notaciónmusical (Sibelius – Musescore).

Carlos es baterista y percusionista, con desempeño en instrumentos acústicos y electrónicos desde instrumentos de percusión clásica,  étnicos y folklóricos hasta baterías y programación MIDI.

El bagaje musical como músico instrumentista (desde el año 1999 a la fecha) se ve reflejado en conciertos de géneros como Jazz, Rock, Funk, Música colombiana, música clásica y música popular, también ha participado en festivales, concursos y como jurado en Colombia, Venezuela y Argentina.

Tallerista y clinican (desde el año 1999 a la fecha) de batería – percusión y educación musical (Producción de materiales de carácter didáctico, de educación musical y clínicas de batería).

Como Licenciado en Educación Artística ha dirigido la asignatura de educación musical y artística en los niveles de básica primaria, básica secundaria, media vocacional y universitario; además facilitaré el libre y pleno desarrollo de las capacidades artísticas de los niños y jóvenes en ambientes formales y no formales ya que enfocaré los cursos partiendo de los intereses artísticos y experiencias previas de los educandos. También ha estructurado y creado los PEI de Academia Gentil Montaña, Bogotá, Colombia, Academia CADEM (Centro Académico de Música Moderna y Sonido), Colegio Misael Pastrana Cúcuta, Colombia, Colegio Bosques de Sherwood Chía – Colombia y la academia de música InMusic Bogotá – Colombia.

ESCUELA DE GUITARRA

“Solo voy donde me lleva la guitarra

Profesora Rocío Amaya

Charla introductoria

Queridos estudiantes y amigos del club de Musicalia. Con esta charla quisiera motivarlos para estudiar este bello instrumento que ha significado para mí una fuente de inspiración constante y mi mejor herramienta para componer mis canciones. Es un instrumento que se sitúa muy cerca del corazón y de la garganta, sede de la voz, para quien quiera acompañar una bella canción, tararear un melodía o interpretar una obra escrita para la guitarra. Por eso, antes de adentrarnos en nuestros cursos, quisiera que reflexionaras por un momento sobre varios aspectos que te llevarán a conocer más las características de este instrumentos y observar aspectos como la manera en la que debes situarte frente a ella o mejor «con» ella para que puedas acariciarla mientras la tocas.

1- La guitarra es un instrumento inagotable. ¿Quién diría que de todos los instrumentos es ella la que causa una ilusión de una orquesta en miniatura? La experiencia no deja duda de ello. a pesar de la longitud de las cuerdas y del modo con que se pulsan los sonidos -no parecen tan fuertes como los del piano y del arpa- pero si se sabe producirlos causan un efecto muy expresivo. Así que no importa cómo sean tus manos, fuertes, débiles, grandes o pequeñas; si se te entrenas bien podrás sacarle partido a las cuerdas.

2- Para que la guitarra produzca sonidos brillantes, no solo es indispensable que vibren las cuerdas, sino que también ella ha de entrar en vibración. Todo lo que se oponga a esto, causará perjuicio a la condición indicada. Diferente es el caso de la guitarra electroacústica o guitarra eléctrica como la que mostramos en la imagen de arriba, cuyos medios electrónicos otorgan diferentes timbres que se proyectan en una base o parlante. Más sin embargo, la manera de pulsar las cuerdas y de pisar los trastes, hará la diferencia (Continúa abajo).

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ESCALAS Y ACORDES

CURSO I

En este primer curso aprenderás a conocer las Escalas Mayores diatónicas, así como los Acordes que se derivan de éstas.

CLASES COMPLEAMENTE ON- LINE

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ESCALAS Y ACORDES

CURSO I I

En este segundo curso aprenderás a conocer las Escalas Menores diatónicas, así como los Acordes que se derivan de éstas.

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Sobre el carácter de la guitarra

A continuación daré algunos aspectos sobre el carácter de la guitara que me parecen básicos para comprender sus posilidades.

1- Instrumento propio para improvisar: es decir, que ofrece a la imaginación muchos medios de expresar ideas de diferente carácter. La guitarra es uno de ellos, por la variedad que hay en la calidad y cantidad de del sonido de sus cuerdas, y por las combinaciones que se pueden hacer de ellos, además de las gracias particulares del instrumento. Veamos esto con más detalle:

a) Cada cuerda tiene un carácter diferente en razón de su grosor. Como podemos ve en el video 1, tóquese la prima pisada en el primer trate; luego tóquese luego la segunda pisada el 6o. traste; después tóquese la tercera pisada en el 10o. traste, y por último, la cuarte pisada en el 15o. traste. El sonido producido en estos cuatro parajes es el mismo respecto de la escala del instrumento, pero cada uno de ellos es de diversa calidad, debida al diferente grueso de la cuerda y al material de que está formada.

Video 1

b) Un mismo sonido admite infinidad de modificaciones en la cantidad desde el pianísimo hasta el fortísimo, según la fuerza que emplea la mano derecha al pulsarle sin moverse ella de su sitio. Así será por tanto, si en vez de quedarnos en un solo sitio, cambiamos de sitio desde el puente de la guitarra hasta la boca de la misma, brinda tantas otras posibilidades sonoras, como es el caso de la música flamenca que utiliza diferentes posiciones en su mano derecha para darle tantos matices como se quiera.

Así podemos ver que con la mano derecha, cada cuerda ofrece la variedad en la calidad del sonido, según el modo con que los dedos de la pulsen. En el siguiente ejercicios podemos apreciar los diferentes matices de manera integra y sencilla. Así, como ejemplo, en tonalidad de E (mi) probaremos la diferencia en la pulsación de las cuatro primeras cuerdas. Este ejercicio consistirá en hacer más fuerza en una cuerda diferente, empezando por por la 4a. con el pulgar (p) que toca la nota E (mi). Enseguida pulsa la 3a. con índice (i) que toca la nota G # (sol sostenido), la segunda pulsada con el dedo medio (m) tocando la nota B (si) y luego la primera que pulsa con el anular (a) tocando la nota E (mi) al aire. El ejercicio continua en una escala ascendente alternando la las cuerdas en las que hago énfasis o mayor fuerza en la pulsación; así luego lo haré en la 3a., luego en la 2a, luego en la primera, para rotar de nuevo con la 4a a medida que tocamos diferentes posiciones de la escala con la mano izquierda.

Escuchemos el ejercicio en el próximo video para darnos una idea de cómo la fuerza con que tocamos una cuerda con cualquier dedo de la mano derecha, dará matices diferentes en la calidad del sonido (matices por la intensidad o fuerza con que la pulsamos). El alumno podrá hacerlo simplemente pulsando una misma cuerda con el pulgar y después con uno de los otros dedos, para advertir las diferencias en la calidad de los sonidos.

Por otro lado, hay que tener en cuenta que los sonidos de las cuerdas de tripa y el sonido de las cuerdas de nylon también hacen lo propio en la calidad de los sonidos creando un efecto particular. Lo mismo será si se trata de una guitarra eléctrica o electro acústica, donde ya los medios electrónicos y su amplificación, así como si tocamos con plectro o no, hará la diferencia de los matices.

Video 2

c) En la guitarra se puede sostener, prolongar y apagar el sonido cuando se quiera. Con lo cual, se representa una armonía exacta e inteligible en relación a la obra original, donde el compositor determinar si el sonido va prolongado, sostenido o apagado

Con tales medios, se puede dar a la música una verdadera expresión, pintándola con el colorido que se quiera o convenga.

d) El guitarrista se ha de proponer llegar a ser dueño del cuerpo sonoro, o sea de las cuerdas, y se hallará en este caso cuando se verifiquen las condiciones siguientes:

  1. En la mano derecha buen modo de pulsar las cuerdas, fuerza en la pulsación, reasumida en la punta de los dedos, y apoyada solamente e la muñeca, sin que intervenga sensiblemente el brazo en ella, y además seguridad suficiente para que los dedos de esta mano no pierdan golpe, aunque ésta mude continuamente de sitio.
  2. Suavidad en el brazo izquierdo y soltura en el juego de los dedos de esta mano, acostumbrándola a que en los movimientos que hace desde la caja a la cejuela obre paralelamente al mango. Es decir, procurar que los dedos se coloque de manera perpendicular al diapasón o mango de la guitarra. Así, hasta lograr que los dedos lo hagan con independencia unos de otros sin apretar las cuerdas más de lo conveniente.
  3. Después de estar bien entrenadas las manos con diferentes ejercicios que se mostrarán aquí, la perfección consiste en que ambas manos obren con independencia una de otra, cada una en su ámbito, y que se logre un equilibrio en el juego simultáneo de ambas, sea cual fuere la intensidad del sonido y la prontitud o dificultad de lo que se ejecute. Y que en medio de todo esto se advierta que la guitarra no se mueva, sino que antes bien, parezca que está fuertemente sujeta.

Posición de la guitarra

A continuación veremos unas ilustraciones de la colocación ideal de la guitarra. Lo normal, es que el alumno se siente en una silla de tamaño normal, levantando su pierna izquierda, apoyando su pie sobre un banquito o apoyapié, de manera que la rodilla quede un poco levantada, con el fin de que la guitarra se deslice hacia afuera de la pierna. Este banquito deberá tener una altura de 15 a 16 centímetros, lógicamente de acuerdo a las condiciones físicas de cada uno.

También es importante que el tamaño de la guitarra esté proporcionado o en relación con el ejecutante.

a) ¿Cómo tomar la guitarra? La manera correcta de tomar la guitarra es apoyando la curva cóncava del aro inferior sobre el muslo de la pierna izquierda, inclinándola ligeramente hacia atrás, de manera que el borde superior del fondo se apoye al cuerpo, y que todo el resto esté completamente libre de contacto con él. De esta manera, sólo se apoya la guitarra en sus partes rígidas, quedando la caja armónica completamente libre de sus vibraciones. Así en la ilustración No. 1 podemos ver esta forma correcta de sostener la guitarra.

Figura 1

b) Posición de la mano derecha. El alumno deberá apoyar la parte más próxima al codo, del antebrazo derecho, sobre la curvatura mayor de la guitarra, no permitiendo que la articulación del brazo y antebrazo (pliegue del codo) sea la parte que apoya en el borde de la curvatura mayor; dado que este defecto o mala posición obligaría a mantener el brazo suspendido y a doblar con exceso de la muñeca.

Figura 2

La mano debe colocarse así: los dedos deberán estar unidos y extendidos, apoyándolos sobre las cuerdas en forma perpendicular a las mimas y paralelos a las divisiones o trastes. El dedo pulgar debe alejarse del dedo índice y mantenerlo así, de manera de formar con éste un ángulo. Es muy importante que los dedos estén casi paralelos al antebrazo doblando lo menos posible la muñeca hacia los lados y acostumbrarla a una posición artificial y forzada; en esta forma la acción muscular es natural. Para obtener esto, debe mueva la guitarra inclinando un poco el mango hacia arriba o hacia abajo, hasta que los dedos queden paralelos a las divisiones. Así el dedo meñique está del puente a una distancia igual que el dedo índice del borde superior de la boca.

c) Primeros movimientos. Manteniendo firme, pero sin violencia, el poyo del antebrazo (considerado como si fuera un eje); ahueque la mano, formando un ángulo obtuso con la muñeca; al mismo tiempo, a yema del dedo pulgar debe apoyarse sobre la sexta cuerda o la segunda falange del dedo índice y la yema del dedo índice sobre la cuerda Tercera, el dedo Mayor sobre la cuerda Segunda y el dedo Anular sobre la cuerda Prima. Ver figura 3.

Figura 3.

Esta posición básica es necesario controlarla: para ello debe mirar la mano, de arriba hacia abajo, haciendo una línea imaginaria que partiendo de la base del dedo pulgar y terminando en la yema del mismo, pasando por el borde izquierdo del dedo; de manera que por el interior de la mano, el alumno sólo vea las últimas falanges de los dedos índice, mayor y anular. Si no lo viera, será porque todo el interior de la mano está muy ahuecada, siendo la pulsación deficiente. Y si no se viera ninguna de las falanges, será porque la base del dedo pulgar estaría muy cerca de la tapa. Es importante, seguir estas indicaciones para evitar vicios y defectos desde el principio.

d) Posición de la mano izquierda.

Colocación del brazo y mano izquierda. Apóyese el antebrazo y la mano derecha sobre el aro superior; manténgase los dedos unidos y tendidos, con el fin de sujetar la guitarra. (ver figura 4).

En esta forma, la mano y brazo izquierdo pueden accionar libremente. La yema del dedo pulgar de la mano izquierda, debe apoyarse debajo del Mango (ver más abajo figura 6); es decir, en la parte inferior. Encurvar la muñeca suavemente, extender los dedos y distribuirlos uno en cada Traste, comenzando desde el Primero hasta el Cuarto.

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En esta forma sin variar la posición, levántense los cuatro dedos, sacando un poco la muñeca hacia afuera, y ahuecando la mano que permita a los dedos quedar bien perpendiculares; en esta posición se levantan apenas los cuatro dedos y se comienza dejando caer el Dedo Indice o 1, de manera que la yema de este dedo se apoye sobre la Sexta Cuerda en el Primer Traste; luego hacer lo mismo con el Dedo Mayor o 2, en la misma cuerda en el Segundo Traste; sigue a éste el dedo Anular o e, en la misma cuerda en el Tercer Traste y por último el Dedo Meñique o 4, en el Cuarto Traste, siempre en la sexta cuerda; al final deben quedar los cuatro dedos 1,2,3,4 colocados (figura 5).

Figura 5

Hecho este primer movimiento, levante apenas los cuatro dedos, al mismo tiempo. Luego colóquese frente a la Quinta cuerda y repita el ejercicio. Luego lo hará en la Cuarta, la Tercera, la Segunda y la Prima.

Debe tenerse en cuenta que a medida que va pasando la mano de la cuerda Sexta a la Prima, debe permitirse a la muñeca un pequeño movimiento hacia adentro, en forma tal que siempre las últimas falanges caigan perpendiculares sobre las cuerdas formando un puente. Al apoyar la yema de los dedos sobre las cuerdas, debe hacerse de manera que al pisarlas se oiga la vibración de la misma y así los dedos se irán habituando a pisar en forma de pinza con el Pulgar. Con el fin de facilitar la presión de los dedos sobre las cuerdas, las uñas deben estar cortadas «a ras», es decir, que no deben sobresalir de las yemas y por consiguiente no entorpecerán la presión que éstas deben hacer que deben hacer sobre el diapasón.

Puede observar cómo debe ser la posición de la mano izquierda por detrás del mango de la guitarra (figura 6).

Figura 6.

e) Colocación de ambas manos. Bien entendidas y aplicadas la colocación de la mano derecha y de la mano izquierda, sólo debemos hablar de la importancia de la colaboración que debe haber entre ambas manos: recordando que cada una de ellas tiene su misión. De la buena colocación y habilidad de la mano derecha se obtienen calidad, volumen y variedad en la producción del sonido. Del buen entrenamiento delos dedos, de su elasticidad y velocidad, se obtienen valores como el ritmo y la expresión, el matiz. De la mano izquierda debemos decir que de su acción depende la claridad, la pureza, la prolongación, la rapidez y la variedad en los sonidos. De la armonía, de la compresión de ambas manos depende la brillantez, la sensación en l ejecución.

Como dijo el maestro Aguado Sinópoli en su Gran Método de Guitarra: las cuerdas vibran o producen sonidos en virtud de la impulsión que les es dada por los dedos de la mano derecha; y en tesis general, de la fuerza con la cual esas mismas cuerdas son pisadas por los dedos de la mano izquierda.

El concurso simultáneo de las dos manos es absolutamente necesario: la derecha produce vibraciones, la izquierda las sostiene y prolonga. Así los dejamos con esta última figura que evoca la concordancia que debe existir en ambas manos de la guitarra, así como la posición del cuerpo que debe guardar el ejecutante. Que tengas una bonita prácticas de ahora en adelante, con estas indicaciones previas importantes para el alumno de guitarra. (ver figura 7). Nos vemos.

Una muestra del repertorio estandar brasilero

A continuación te he colocado una muestra del repertorio clásico estándar de música brasilera. En este video puedes apreciar el famoso tema Chica du Ipanema del compositor Tom Jobim en tonalidad de Fa (mayor) cantado por mí. En este tema puedes apreciar aspectos como la armonía, la rítmica y matices que puedes imprimir con la mano derecha y la mano izquierda, como es el caso de prolongar el ritmo y apagarlo, así como levantar ligeramente los dedos del diapasón en el toque propio de este ritmo brasilero.

Ahora te he puesto material de muestra de lo que es una partitura estándar de jazz, pensado para ser ejecutado con un play along, es decir con un acompañamiento. Se trata de una guía que facilita el entrenamiento con otros instrumentistas. Estas partituras tienen la melodía y la cifra o cifrado; es decir, los acordes que se tocan. Aquí, entre otros temas, encontrarás el tema de Chica de Ipanema y muchos otros estándar. Espera los videos de demostración en vivo. Ahora puedes descargarlos abajo.